Проект «Орбиты хрупких тел» стал логическим продолжением фестиваля российского художественного стекла, стартовавшего в галерее Heritage с большой выставки «Степени прозрачности. Vitalité fragile», и поддерживает начатый диалог о состоянии и перспективах стеклоделия в России.

Новый выставочный проект продолжает этот фестивальный формат. Куратором выступает известный коллекционер, основатель школы искусствоведения marinadobrovinskyartcourses и издатель Марина Добровинская. Задача выставки — представить историю развития отечественного художественного стекла со второй половины ХХ века до наших дней, уделив особое внимание экспериментальным практикам, позволившим сформировать новый художественный язык в условиях ограниченных производственных возможностей.

Центр «Зотов» представляет первую в России выставку Дзиги Вертова — ключевой фигуры советского киноавангарда и пионера документального кино. Выставка-фильм позволяет в буквальном смысле погрузиться в художественную вселенную режиссера и увидеть, как рождались его идеи, повлиявшие на всю современную культуру — от кинематографа и масс-медиа до клипов и рилсов.

Дзига Вертов на выставке предстает не просто как гениальный режиссер, но как организатор нового видения. В 1920-е, когда на экране преобладали экранизации и мелодрамы, он призывал полностью отказаться от игрового кино, настаивая на использовании кинокамеры для фиксации реальности, а монтажа — для ее переосмысления. Вертовская концепция «жизни врасплох» означала, что режиссер всегда находится в центре событий и с помощью «киноглаза» ловит фрагменты повседневности.

Выставка «Архетипы авангарда» предлагает по-новому взглянуть на русский авангард, соединив искусство с популярной психологической теорией 12 архетипов: Дитя, Славный малый, Воин, Опекун, Искатель, Бунтарь, Эстет, Творец, Правитель, Маг, Мудрец, Шут. Архетипы обуславливают ценности человека, его модель поведения, восприятие мира.

На выставке представлены работы Казимира Малевича, Василия Кандинского, Александра Родченко, Наталии Гончаровой, Михаила Ларионова, Ильи Машкова, Аристарха Лентулова, Ольги Розановой, Георгия Якулова и других выдающихся мастеров.

Фотографии: Наталия Крючкова

Выставка «Свобода и глушь. От Кенозерья до Поморья» рассказывает об искусстве, архитектуре, природе и истории Кенозерья и Онежского Поморья. На ней представлены археологические артефакты, рукописные книги, церковная утварь, орудия труда, макеты лодок и изб, живопись, чертежи, фотографии и знаменитые расписные «небеса», типичные для храмовых построек Русского Севера.

На протяжении всей экспозиции по стенам тянется линия горизонта, выбранная дизайнерами выставки в качестве главной метафоры: о вечно преследующем тебя горизонте рассказывают все, кто хоть раз бывал на Онеге или Кенозере.

На выставке горизонт разделяет не только небо и землю. Ниже него расположены витрины с древностями, выше – фотографии, топографические карты, старые книги, живописные картины, акварели и другие предметы из собрания тринадцати музеев, трех государственных архивов, нескольких научных институтов, библиотек и частных коллекций. Всего в экспозиции 837 экспонатов. Среди них – фигурка медведя IV-III тысячелетий до нашей эры и топор эпохи раннего неолита, найденные во время многочисленных северных экспедиций.

Фотографии: Наталия Крючкова

Выставка «Музыкальная эволюция: от камней до нейросети» представляет историю и эволюцию взаимоотношений человека и музыки. Посетители узнают, как столетиями эволюционировали музыкальные инструменты и музыкальные произведения, как изменилось человечество с изобретением звукозаписи, о том, куда движется и какой может быть музыка будущего. Способен ли будет искусственный интеллект создавать музыкальные произведения, как это делал, например… Чайковский?

При посещении выставки посетителю предлагается аудиогид, озвученный заслуженным артистом России Александром Олешко. Также посетители смогут воспользоваться аудиогидом через свой смартфон, воспользовавшись чат-ботом.

Фотографии: пресс-служба Музея музыки

Выставка «Все напоказ?» создана в жанре театрализованной инсталляции с элементами исторической ретроспекции. Онапосвящена исследованию и репрезентации уникального архитектурного объекта — камерной городской усадьбы конца XVIII века, расположенной в 1-м Казачьем переулке.

Выстроенный по заказу семьи Позняковых в одном из тихих уголков Замоскворечья, дом представлял собой типичный образец городской дворянской усадьбы, скрывающей богато оформленные интерьеры парадных залов за сдержанной и строгой внешней архитектурой здания.

Участники проекта «Все напоказ?» в первую очередь стремились воссоздать семейный дух усадьбы, где предметы, маркирующие род занятий и статус бывших владельцев особняка, соседствуют с милыми безделушками, раскрывающими их характеры и вкусы.

Среди художников Пётр Белый, Ольга Божко, Гриша Брускин, Алина Глазун, Ася Заславская, Алёна Кирцова, Нина Котёл, группа «МишМаш», Леонид Тишков. В экспозиции представлены произведения Бориса Кустодиева и Льва Аронова, а также исторические предметы. Кураторы: Ирина Горлова, Мария Салина.

Посещение выставки бесплатно , по предварительной регистрации

Фотографии: предоставлены организаторами выставки

Выставка «Ларионов / Гончарова. Начало» впервые исследует самый ранний — доавангардный — период в творчестве двух выдающихся мастеров русского искусства XX века: Михаила Ларионова и Наталии Гончаровой. Их пастели и рисунки первой половины — середины 1900-х годов — следствие интереса к новейшему европейскому искусству, прежде всего к импрессионизму и постимпрессионизму. Большинство произведений покинут запасники и показаны широкой публике впервые. Многие из экспонатов выставки в ходе предшествующей исследовательской работы приобрели новые атрибуции.

В небольшом разделе европейского искусства будет пунктирно обозначен круг увлечений и интересов Ларионова и Гончаровой в эти годы. Здесь зритель сможет увидеть произведения Клода Моне, Поля Синьяка, Эдуара Вюйара, Анри-Эдмон Кросса и других мастеров. Другим полюсом станут работы преподавателей художников в МУЖВЗ — Леонида Пастернака, Константина Коровина, Валентина Серова. Кроме того, на выставке будут показаны каталоги первых выставок, в которых Ларионов и Гончарова принимали участие.

Фотографии: Наталия Крючкова

Государственный музейно-выставочной центр «РОСИЗО» представляет выставку «Эрик Булатов. Избранные страницы», посвященную памяти одного из самых значимых художников современности. Экспозиция расскажет о художественных принципах мастера, сформулированных через «ключи» к пониманию его искусства в книгах, статьях, интервью и высказываниях.

Выставка предлагает зрителю узнать внутренние цели, которые ставил перед собой Эрик Булатов как художник и теоретик искусства, приблизиться к сути его произведений. Экспозиция покажет живописные и графические работы художника из российских музейных и частных коллекций, которые будут представлены на двух этажах музейного пространства. В них последовательно раскрываются основы творческого метода Эрика Булатова — концепция картины, вопросы света, пространства, поверхности, цвета, позиции зрителя, а также литературного смысла в изобразительном искусстве.

Важной составляющей выставки, отражающей поиски художника, станет тема соотношения вербального и визуального в искусстве. Каждому разделу соответствует цитата мастера, которая раскрывает творчество Булатова через погружение в непосредственный визуальный контакт с произведениями и знакомит с его идеями.

Один из залов экспозиции посвящен поэзии Всеволода Некрасова, близкого друга и единомышленника Эрика Булатова. Инсталляция со стихотворениями разных лет позволит зрителю сначала сфокусироваться на поэтическом тексте, а затем увидеть, как с ним работает художник в своих графических произведениях.

Отдельное внимание уделено детской книжной иллюстрации, которой Эрик Булатов занимался вместе со своим другом, художником Олегом Васильевым

Выставка «Саврасов и тишина» приурочена к 195-летию со дня рождения одного из главных живописцев русской школы и основоположника лирического пейзажа Алексея Кондратьевича Саврасова (1830–1897). Она представляет многогранное творчество художника, полное экспериментов и новаторства, и проводит параллели с произведениями других эпох. Шедевры русского пейзажа XIX-XX вв. и объекты современного искусства, объединенные оригинальной концепцией, представляют разнообразие художественных систем и авторских манер.

В экспозицию вошли 66 работ — картины самого Саврасова, полотна пейзажистов XIX–XXI веков (Архипа Куинджи, Исаака Левитана, Николая Дубовского, Аполлинария Васнецова, Георгия Нисского и других), а также произведения современных авторов, работающих в формах инсталляции и видеоарта (Николая Полисского, Леонида Тишкова, Александры Митлянской, группы «Синий суп»). Куратор проекта — искусствовед Ксения Новохатько.

Фотографии: предоставлены пресс-службой музея

Мультимедиа Арт Музей открыл Вторую биеннале «Искусство будущего» — 38 проектов, большинство из которых создано специально для выставки.

Показывают работы звезд мирового искусства — Михаль Ровнер и Stanza, молодой аргентинской художницы Джульетты Тарраубеллы, произведения ведущих современных российских художников, среди которых Павел Пепперштейн, Аристарх Чернышев, Тим Парщиков, Владимир Григ, Андрей Бартенев, группа «ГрОМ». Большинство работ создано молодыми художниками: Соней Стереостырски, Степаном Терещенко, Романом Беляевым, Надей Колдаевой, Юрием Чернышевым, Аксаной Прутцковой и другими.

Один из центральных проектов — новая инсталляция Павла Пепперштейна «4338 год». Импульсом к ее созданию стал рассказ Владимира Одоевского «4338-й год: Петербургские письма», впервые опубликованный в 1835 году.

Фотографии: Наталия Крючкова

«Беатриса Сандомирская. 1894–1974» — первая за 60 лет экспозиция, посвященная творчеству выдающегося скульптора. Выставка объединит произведения из собраний музеев России и Армении и впишет наследие Сандомирской в контекст мирового искусства.

Образный язык Сандомирской сформировался под влиянием российской скульптурной школы. Но своими учителями она считала не только Сергея Волнухина и Сергея Конёнкова, но и Казимира Малевича. Памятник Робеспьеру работы Сандомирской стал одним из самых обсуждаемых монументов в первые годы советской власти. Беатриса Юрьевна организовывала Государственные свободные художественные мастерские (ГСХМ) в Оренбурге и Туркестане, участвовала в деятельности Общества русских скульпторов (ОРС).

Самобытность творчества Сандомирской во многом объясняется глубокой погруженностью в мировые художественные процессы. Она изучила русскую пластическую традицию, увлекалась кубизмом, примитивизмом, африканской скульптурой — но ее собственное творчество можно с уверенностью назвать самостоятельной пластической версией модернизма.

Информация и изображение: ГМИИ им. Пушкина

Государственная Третьяковская галерея и Государственный музейно-выставочный центр «РОСИЗО» представляют выставку «Наследие эпохи. Семен Чуйков». Экспозиция продолжает международный музейно-выставочный цикл РОСИЗО «Наследие эпохи», посвящённый творчеству художников, во многом определивших развитие национальных школ живописи бывших советских республик.

Семен Чуйков – легендарный советский живописец, лауреат многочисленных государственных премий и наград, основоположник современного киргизского изобразительного искусства. Последние годы жизни художник прожил в Москве, но любовь к Киргизии, своей малой родине, он пронёс через всю жизнь.

Люди, природа, гордая суровость и простая, немногословная красота родного края стали для него главным источником вдохновения и завораживающей поэзии, без которой немыслимо настоящее искусство.

На выставке «Наследие эпохи. Семен Чуйков» будут представлены работы, охватывающие разные периоды жизни и творчества художника. Среди них «Дочь Советской Киргизии», «Вид на долину с гор», «Рим. Площадь Трастевере», «Живая вода», «Мальчик с рыбой», «Дочь чабана», «Утро», «В пути», «Прикосновение к вечности», эскиз картины «Токтогул среди народа» и многие другие.

Выставка «Африканское искусство: боги, предки, жизнь» представляет коллекцию из более чем 800 артефактов африканского искусства, которую, начиная с 1980‑х годов, почти 30 лет собирал ленинградско‑нью‑йоркский художник и скульптор Михаил Звягин. Сейчас собрание находится в музее «ЗИЛАРТ».

В него входят бронзовые и терракотовые изваяния средневековых правителей Нигерии и Великого Бенина, «африканские мадонны» малийского народа бамбара, «кубистические» и «фовистические» маски кифвебе конголезских народов луба и сонге, ощетинившиеся гвоздями фетиши народа баконго, прикладное придворное искусство королевств Экваториальной Африки и многое другое.

Автор экспозиции, архитектор и художник Евгений Асс, задумал её как карту, где у каждого архетипического мотива есть своя территория — остров. Каждый из них «населён» артефактами разного этнического происхождения из нескольких историко‑культурных регионов континента.

Островов одиннадцать, они посвящены предкам, тайным обществам, обрядам посвящения, благоденствию, магии, животным, плодородию, оружию, власти, красивой жизни и поминовению.

На сайте доступно аудиопутешествие «Круг жизни», которое предлагает отправиться в звуковое путешествие по ключевым этапам человеческого пути — от рождения и инициации до зрелости и памяти о предках.

Фотографии: Юрий Пальмин

Выставка «Шаг с пьедестала: скульптура в реальном пространстве», расположенная на двух этажах музея, объединяет работы ведущих художников и скульпторов Москвы и Санкт-Петербурга XX–XXI веков, выстраивает между произведениями диалог и подчеркивает порой неочевидные связи. Она знакомит посетителей с до сих пор обойдённой вниманием петербургской монументальной и жанровой скульптурой второй половины XX века, которая занимает важное место в собрании музея.

Среди авторов — петербургские и московские скульпторы нескольких поколений Михаил Аникушин, Любовь Холина и Александр Игнатьев, Михаил Ершов, Евгений Ротанов, Роберт Лотош, Дмитрий Каминкер. Скульптуры и инсталляции Аллы Урбан и Кирилла Александрова, а также костюмы-объекты Сергея Чернова, многолетнего художника «Поп-механики» Сергея Курехина, показаны в диалоге с живописью «шестидесятников» — Эрика Булатова, Олега Васильева, Юрия Злотникова, Семёна Файбисовича, Элия Белютина.

Автор экспозиции — архитектор и художник Юрий Аввакумов.

Фотографии: Юрий Пальмин

Гриша Брускин - художник, завоевавший международную известность ещё в эпоху «неофициального искусства». В 1988 году на первом легендарном московском аукционе Sotheby’s его «Фундаментальный лексикон» привлек всеобщее внимание не только рекордной суммой, за которую был продан, но и значимостью высказывания.

Для российского павильона на 57-й Венецианской биеннале в 2017 году Брускин создал проект «Смена декораций», в котором уже полностью разработана фирменная брускинская визуальность – пропущенная сквозь фильтр авторского воображения избранная иконография: тотемы, символы власти и насилия, изображения воинов, жертв, миграций человеческих потоков.

Инсталляция Dies Illa, созданная Гришей Брускиным специально для музея, включает некоторые мотивы «Смены декораций» и проекта 2023 года «Великое Завтра», завершая постепенно сложившуюся трилогию. Название идёт от «Dies irae, dies illa», что в переводе с латыни означает «Этот день, день гнева», то есть «День Страшного суда» – начала католических церковных гимнов и многих классических реквиемов.

В этой работе Брускин сочетает пространственную драматургию со сценической, использует выразительные средства театра теней, театра марионеток, видеопроекцию. Он видит инсталляцию как посредника-медиума – синтезирующего, вбирающего в себя не только объект и ассамбляж, но и самих зрителей.

Архитектура выставки – Игорь Чиркин.

«Художники эпохи „Современника“» — Бахрушинский театральный музей и «Современник» открыли в Музее-мастерской Давида Боровского выставку к 70-летию знаменитого московского театра.

Экспозиция выстроена как визуальная хроника театра — от первых постановок конца 1950-х годов до спектаклей юбилейного сезона 2025–2026. Всего в ней более 170 экспонатов: макеты декораций, эскизы костюмов и сценографии.

На выставке представлены работы мастеров, сформировавших художественный облик «Современника»: Льва Батурина, Дмитрия Лазарева, Доррера, Бориса Мессерера и других. Отдельный раздел посвятили Давиду Боровскому. Также показывают работы Эдуарда Кочергина и Сергея Бархина. Особое место на выставке занимает макет к спектаклю «Любовь и голуби».

Архитектурное решение экспозиции отсылает к фасаду театра «Современник» на Чистопрудном бульваре. Его разработал Александр Боровский — сценограф, театральный художник и сын Давида Боровского.

Фотографии: Наталия Крючкова

Выставка «Очарование красоты. Из истории ювелирных украшений в России» — это первый масштабный показ части большой коллекции ювелирных украшений из собрания Особой кладовой Государственного исторического музея.

Разнообразие форм, материалов, орнаментальных решений и художественных приёмов коллекции открывают страницы истории бытования украшений в России во второй половине XVII—начале XX в. Серьги, кольца, броши, браслеты, ожерелья и колье, подвески и кулоны, тиары и гребни демонстрируют новое художественное восприятие ювелирных украшений.

Фотографии: ГИМ

Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина представляет выставку «Князья Барятинские. Искусство для наследников», которая продолжит 25-летнюю традицию проектов о выдающихся династиях коллекционеров.

Пушкинский музей открывает зрителю еще одно имя в истории русской культуры и собирательства — князей Барятинских, чье наследие долгие годы оставалось неизвестным широкой публике. Результатом исследовательского проекта, подготовка которого длилась более 15 лет, стали десятки открытий, позволяющих проследить историю одной семейной коллекции и развитие усадебной культуры России на протяжении двух столетий.

На выставке посетители увидят более 200 произведений из 25 музеев России: живопись, графику, скульптуры, миниатюры, фарфор, архивные документы, дагеротипы и фотографии. В их числе гравюры Альбрехта Дюрера, Рембрандта Харменса ван Рейна, Джованни Батиста Пиранези и рисунки Джакомо Кваренги, Каспара Давида Фридриха, Франца Крюгера; живописные полотна Симона Вуэ, Луки Джордано, Франсуа Депорта, Ангелики Кауфман, Антонио Бруни, пейзажи Фёдора Алексеева и Ивана Айвазовского. Восемь живописных работ (среди которых произведения Антонио Бруни, Александра Франсуа Депорта и Робера Лефевра) и римский саркофаг II века н.э. отреставрированы специально для экспонирования на выставке. Многие произведения, десятилетиями хранившиеся в региональных музеях, предстанут перед зрителями вместе впервые.

Выставка «Дом 21. В гостях у художников» проведет по квартирам-мастерским знаменитых домов ВХУТЕМАСа на Мясницкой, 21. Краснокирпичные здания по этому адресу стали одним из эпицентров русского искусства 1910–1930‑х годов.

Посетители совершат воображаемое путешествие в пять квартир, где жили и работали выдающиеся художники XX века: Александр Родченко и Варвара Степанова, Александр Древин и Надежда Удальцова, Петр Митурич и Вера Хлебникова, Густав Клуцис и Сергей Сенькин, Владимир Фаворский и его ученики.

Перед домом — двор, где вас встретят живописные работы жильцов — Роберта Фалька, Александра Лабаса, Константина Истомина, Василия Рождественского, Петра Львова, Петра Митурича и Веры Хлебниковой — с изображениями фасадов домов и видов из мастерских.

Тема дома раскрывается еще и с помощью ольфакторной и звуковой сред, светового оформления, дизайна интерьера и интерактивных зон. К выставке есть аудиогид.

Дополнительная программа насыщенная, как и всегда в «Зотове»: кинопрограмма, джазовые «квартирники», патефонные встречи с наследниками, кураторский лекторий Елены Шаровой, городские прогулки, лекторий-кружок от журнала «Юный Искусствовед».

Фотографии: Наталия Крючкова

Московский музей современного искусства открыл в пространстве на Петровке выставку «Феномены. Современная московская живопись и пересборка реального».

Среди авторов: Егор Плотников, Егор Кошелев, Евгения Буравлева, Анастасия Кузнецова-Руф, Евгения Войнар, Иван Коршунов, Иван Новиков, Антон Кузнецов, Мария Сафронова, Саян Байгалиев, Александр Купалян. Все они являются состоявшимися, востребованными художниками на пике мастерства — настоящими звездами сегодняшнего искусства, с узнаваемым индивидуальным стилем и яркой харизмой. Каждый из них представлен «крупным планом» в персональном зале.

Кураторами выступили Анна Арутюнян и Андрей Егоров. Выставка продлится до 19 июля.

Фотографии: Наталия Крючкова

Выставка «(НЕ)известный. Константин Горбатов» приурочена к 150-летию со дня рождения ярчайшего представителя русского импрессионизма Константина Ивановича Горбатова (1876–1945). Этот проект — не просто ретроспектива творчества мастера, а хроника событий неоднозначной судьбы русского художника-эмигранта, показанная через его живопись, письма, фотографии и архивные документы.

Музей приглашает зрителя пройти путь от детства в Ставрополе Самарской губернии до финала в освобожденном Берлине, а затем проследить, как забытое наследие обрело вторую жизнь. Главная идея проекта — не только представить творчество и судьбу художника, но и проиллюстрировать, как его работы нашли новый «дом» — им стал Музей «Новый Иерусалим».

Куратор проекта — искусствовед Ксения Новохатько, сокуратор — научный сотрудник экскурсионно-методического отдела Музея «Новый Иерусалим» Елена Жихарева.

Фотографии: пресс-служба музея

Центр визуальной культуры Béton представляет выставку «Художники и фотография», которая познакомит зрителей с уникальными авторскими работами признанных художников, использующих в своём творчестве фотографические технологии.

В их руках фотография из вспомогательного средства превращается в полноценный инструмент художественного выражения, позволяющий автору создавать произведения искусства, ставшие украшением ведущих мировых музейных и частных коллекций.

В экспозицию вошли более 60 авторских работ таких мастеров, как Иван Айвазовский, Ман Рэй, Эжен Дрюэ, Владимир Татлин, Александр Родченко, Франциско Инфанте-Арана, Игорь Макаревич, Борис Орлов, Ольга Чернышова и другие.

Фотографии: Наталия Крючкова

Персональная выставка Северина Инфантэ «Метр квадратный» предлагает посетителям сделать шаг в бездну Ноль-пространства, туда, где перестают работать привычные нам системы координат, а осязаемость пространства размывается в темноте.

Материальность произведений разрушается включением в них световых элементов, которые создают эффект утративших плоскость мерцающих объектов. Геометрические абстракции, фотографические и живописные пейзажи, текстовые композиции перемешаны в калейдоскопе, образованном одинаковыми модулями. Они заполняют стены зала подобно пикселям: плотное соседство сменяется пустотами. Куратором выставки выступила Ирина Горлова.

Фотографии: пресс-служба галереи «Система»

Выставка «ПоЧУВСТВОвать» акцентирует связи видов искусства, тем самым обогащая восприятие. Посетителю предоставляется возможность взаимодействия с предметами через органы чувств. Классическое визуальное восприятие дополнено интерактивными элементами.

Аудиальное сопровождение позволяет услышать звучание музыкального инструмента. Ряд тактильных элементов создаёт возможность «прикоснуться» к живописи руками. Многообразие силуэтов и линий объединяет формы, выстраивая между ними невидимую нить, которая надолго фиксирует след в памяти. Ароматы обладают силой вызывать воспоминания, эмоции и ассоциации.

Дополнительным элементом проекта стало «ольфакторное» (от лат. olfactorius— благовонный, душистый) высказывание. По мотивам ведущих экспонатов — терменвокса и полотна Василия Кандинского «Музыкальная увертюра. Фиолетовый клин» были созданы парфюмерные композиции, оставляющие отпечаток чувств о выставке.

Выставка организована совместно с Тульским музейным объединением

Фотографии: пресс-служба Музея музыки

Выставка «Иномарка» в павильоне «Транспорт СССР» на ВДНХ посвящена феномену стихийных авторынков 1990-х — мест, где покупали свой первый Mercedes «шестисотый», искали «не битую, не крашеную» Audi и торговались «у капота» за праворульную Honda.

Экспозиция объединяет пять тематических зон, каждая из которых раскроет путь покупателя и продавца на авторынке — от мечты об иномарке и выбора на рынке до перегона, сделки и дальнейшей жизни автомобиля.

На выставке представлено более 25 автомобилей из Европы, Азии и США — от BMW 7-й серии до Mitsubishi Pajero и Volvo 850, а также инсталляцию «Сектор-приз» современных художников Романа Мокрова, Егора Гиве и Андрея Соула. Архитектуру выставки создали бюроХОРА, Даниил Наринский и Алексей Снетков.

Фотографии: Наталия Крючкова

«Огненное письмо. Искусство эмали» – это масштабный проект, объединивший шедевры эмальерного искусства из государственных и частных собраний. В едином пространстве представлены две великие эмальерные школы – русская и французская (лиможская), их самобытное развитии и творческие диалоги на протяжении столетий.

Экспозиция охватывает более восьми веков истории эмальерного искусства — от средневековых шедевров XII столетия до произведений современных мастеров. На выставке зрители смогут увидеть шедевры музейных коллекций – изделия ювелирных фирм Фаберже, Овчинникова, работы Тенишевой, вазы, ковши, чары, блюда и шкатулки в Русском стиле, уникальные образцы Ростовской финифти, а также лиможские эмали из частной коллекции – редчайший ларец-реликварий XII века, работы мастеров Пенико и Реймона, издание «Житие Жанны д’Арк», украшенное эмалями Жюля Сарланди.

«РОСИЗО» и Государственный исторический музей представляют совместную выставку, посвященную одной из важнейших фигур советского искусства. В экспозиции — ключевые произведения Веры Мухиной разных лет, призванные в совокупности показать разнообразие её творческого наследия.

Выставка открыта в год 100-летия первой выставки Общества русских скульпторов (ОРС), также проходившей в залах ГИМ. В 1926 году здесь были представлены два произведения Веры Мухиной: деревянная скульптура «Юлия» и гипсовая фигура «Пламя революции». Век спустя обе работы возвращаются на место «творческого дебюта» Мухиной, символически приглашая к размышлению о наследии великого советского скульптора.

Выставка открыта по 17 августа. Подробности и билеты — на сайте музея.

В центре внимания – натюрморт и пейзаж конца XIX – начала XX столетия, времени, когда цветок стал подлинным героем художественного повествования.

Экспозиция объединяет около 150 произведений прославленных мастеров: Константина Коровина, Исаака Левитана, Михаила Врубеля, Валентина Серова, Александра Головина, а также менее известных широкой публике, но не менее ярких авторов – Михаила Шемякина, Николая Мещерина, Алексея Исупова.

Рядом с живописью органично соседствуют скульптура и предметы декоративно-прикладного искусства – фарфор, стекло. Работы сгруппированы по тематическим разделам и сопровождаются комментариями и цитатами из высказываний современников художников.

Подробности и билеты – на сайте музея.

Одним из ключевых лейтмотивов неофициального искусства, особенно у шестидесятников, стала тема драматического слияния Человека и Машины. Зрителю предлагается посмотреть на экспозицию как на археологию завтрашнего дня. В этой перспективе выставка превращается в священную летопись еще не существующей, но уже канувшей в Лету цивилизации далекого будущего и описывает страсти рождения Человека-Машины. В конечном итоге, экспозиция оставляет нас с закономерным вопросом: что значит быть человеком?

Среди авторов: Игорь Вулох, Андрей Гросицкий, Анатолий Зверев, Дмитрий Краснопевцев, Эрнст Неизвестный, Борис Орлов, Юло Соостер. Выставка проводится совместно с фондом «Прометей». Куратор: Алексей Корси. Подробности и дополнительная программа — на сайте.

Масштабный проект Всероссийского музея декоративного искусства, предлагающий новый взгляд на творчество автора легендарного «Рабочего и колхозницы». Выставка раскрывает ВеруМухину не только как создателя хрестоматийных монументов, но и как художника-исследователя, новатора в области художественного стекла, архитектуры и декоративной пластики XX века. В экспозиции – произведения из 16 государственных музеев и частных коллекций, некоторые из них показываются в Москве впервые.

Экспозиция охватывает почти полвека творческого поиска: от ученичества в Париже (1912–1914) и знакомства со стекольными мастерскими Италии и Франции до создания экспериментальной лаборатории художественного стекла в Ленинграде.

Выставка объединила работы из ГМИИ им. Пушкина, Третьяковской галереи, Русского музея, Музея архитектуры им. Щусева и других ведущих институций.

Ученичество и европейские диалоги

Первый раздел посвящен формированию Мухиной-художника. Влияние учителя Антуана Бурделя, поездки по Италии и Франции, знакомство с античностью и Ренессансом. Зрители увидят аллегорические отсылки к античным сюжетам в известных работах Мухиной, в том числе в «Рабочем и колхознице». Отдельное внимание – творческим диалогам с французскими мастерами Рене Лаликом и Мариусом Сабино, чьи хрустальные фонтаны и пластика ар-деко получили новое прочтение в советском контексте.

Стекло и монументальное искусство

Центральный раздел рассказывает о периоде работы Мухиной в экспериментальном цехе художественного стекла (позднее – Ленинградский завод художественного стекла). Совместно с химиком Николаем Качаловым она разработала инновационные составы стекла, превосходящие по прочности мрамор. Именно тогда были созданы знаменитые колонны для станции метро «Автово». В экспозиции – редчайшие образцы стеклянной скульптуры, в том числе «Ветер» из собрания музея, а также легендарный портретный бюст «Товарищ из тред-юнионов», экспонировавшийся на Всемирной выставке в Нью-Йорке и недавно вернувшийся в Россию.

Наш современник

Выставка завершается диалогом наследия Мухиной с произведениями современных художников по стеклу – Андрея Криволапова, Алексея Дрождина, Антона Лукашова, Татьяны Петковой, Алексея Дьякова и Александры Ярмольник. Работы наших современников показывают, как идеи и техники великого мастера продолжают жить в актуальном искусстве.

Куратор проекта и автор концепции – Кирилл Гаврилин. Архитектор и автор художественной концепции – Юлия Наполова.

Выставку сопровождает спецпроект «Москва Мухиной» – карта-путеводитель по местам Веры Мухиной (партнер – ВДНХ), а также образовательная программа.

→ Подробности и билеты

Информация: Всероссийский музей ДПИ. Фотографии: Наталия Крючкова

Выставка посвящена наиву — возможно, самому живому, яркому и противоречивому течению в изобразительном искусстве XX века. В экспозиции почти 500 произведений, в том числе картины Павла Леонова, рельефы Алексея Пичугина, автопортреты Александра Лобанова, скульптуры Владимира Зазнобина, рукописный роман Ивана Никифорова и уличная вывеска, созданная Нико Пиросмани.

Выставка в «Царицыне» посвящена целой плеяде наивных художников, многие из которых были открыты лишь во второй половине ХХ века. «Основополагающей чертой наивного творца является его непоколебимая, порой граничащая с мессианством, уверенность в жизненном предназначении – быть художником, – объясняет куратор выставки, научный сотрудник «Царицына» Татьяна Синельникова. – Нико Пиросмани учился живописи у странствующих художников, расписывал вывески в придорожных тавернах и рисовал портреты малознакомых людей (а сегодня его портрет украшает купюру в один грузинский лари). Павел Леонов работал штукатуром, получил прозвище “Дон Кихот советского времени” от художника Михаила Рогинского и стал прототипом главного героя фильма «Серафим Полубес и другие жители Земли». Елена Волкова начала писать в 45 лет и стала первой наивной художницей, чья персональная выставка прошла в Москве».

→ Подробности и билеты

Фотографии: Музей-заповедник «Царицыно»

Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина представляет выставочный проект «Мадонны Ренессанса. Из частных собраний». Цикл моновыставок познакомит с шедеврами итальянской живописи эпохи Возрождения, хранящимися в частных коллекциях России. Мадонна с младенцем Христом — сюжет всех произведений этого цикла и центральный образ в искусстве Италии, который каждый художник интерпретировал по-своему.

Первым в серии выставок Пушкинского музея станет произведение одного из учеников Леонардо да Винчи «Мадонна с двумя играющими младенцами», его можно будет увидеть всего две недели, до 14 июня.

Куратор: Виктория Эммануиловна Маркова, доктор искусствоведения, профессор, главный научный сотрудник отдела искусства старых мастеров ГМИИ им. А.С. Пушкина.

→ Подробности о проекте

Информация и изображения: Пушкинский музей

«Полеты над временем. Пьеса о Штеренбергах» — третья выставка Музейного центра на Масловке задумана как визуальная пьеса, и ее главные герои — пятеро художников из династии Давида Петровича Штеренберга, одного из ключевых мастеров в раннем советском модернизме. В 1920-е годы он был звездой и большим начальником, но в 1930-е, оказался на периферии соцреализма, проживая на Масловке вместе с Марией Гранавцевой, своей второй женой и в прошлом ученицей. В своих поздних работах Давид Штеренберг отрывался от реальности, как будто выпадая из актуального исторического времени, и открыл для себя другой временной поток, в который также оказались вовлечены и его наследники.

Мария Гранавцева после смерти мужа пережила кризис и попала в клинику, ту самую, где в свое время находился Михаил Врубель, но благодаря искусству и поддержке смогла обрести душевное равновесие.

Время действия пьесы охватывает период с 1920-х до 2020-х, и ее участниками становятся сын Давида Петровича, также названный Давидом, его внук Игорь, его правнучка Екатерина, а также другие художники — спутники по жизни, среди которых Фиалка Штеренберг, Николай Денисовский, Юрий Злотников, Олег Васильев, Гариф Басыров, Клим Сапегин. Все они в рамках пьесы взаимодействуют друг с другом, хотя некоторые из них не могли быть знакомы лично и знали о своих предшественниках только по их работам. «Небо было нашим общем временем», — однажды напишет Давид Давидович, имея в виду всю династию Штеренбергов.

Место действия — разделы экспозиции — это «Окна — город», «Спальня — сны», «Мастерская» и, наконец, «Крыша — небо». Большой зал преобразуется в открытое пространство, где зрители переносятся на крыши и солярий дома Городка художников — главное место обитания Давида Давидовича, который писал здесь обнаженных натурщиц, общался с друзьями, наблюдал звезды в телескоп, который сам сконструировал.

Этот образ жизни художника в 1970-е годы нельзя считать уходом от реальности, поскольку эта была его собственная реальность.

Пьеса о Штеренбергах — это пьеса о свободном времени и расширении личного пространства, о способах справиться с кризисом, пересобрать себя, обрести или вернуть контроль над собственной жизнью. И если в обычной жизни люди, как правило, наследуют вещи или деньги, то художникам удается унаследовать время, которым они готовы поделиться со зрителями. Игорь Штеренберг ныне может работать над одной пейзажной картиной в течение года, а Екатерина погружена в историю и в отличие от предшественников тяготеет к скульптуре, но скульптуре прозрачной, созданной из стекла.

На выставке впервые представлено более 200 живописных и графических работ во всем жанровом диапазоне — от исторических картин и изображений обнаженных моделей до портретов, пейзажей, натюрмортов, а также книжные иллюстрации, в которых часто узнаются герои выставочной пьесы. В экспозиции задействованы документальные материалы и личные вещи, среди них — масштабный макет железной дороги, созданный Давидом и Игорем — отцом и сыном — и большая репродукция картины «Портрет мальчика» Пинтуриккио из наследия Николая Денисовского. Глядя на эту репродукцию, маленький Игорь ассоциировал себя с этим мальчиком. В пьесе нет случайных вещей и случайных произведений.

Проект реализован с участием кураторской лаборатории Музейного центра под руководством Кирилла Светлякова.

Это первое глубинное исследование коллективного опыта жителей городка художников на Масловке, исходя из обстоятельств и реалий их личной жизни со всеми увлечениями, пристрастиями и страхами.

→ Подробности, расписание событий и билеты

Информация: Музей Масловки. Фотографии: Наталия Крючкова

Выставка сфокусируется на живописных работах Ани Желудь и проследит эволюцию ее художественного метода: от насыщенной, «многоголосой» живописи — через строгие монохромные пейзажи — к бесцветным работам и металлическим инсталляциям, где объем превращается в пространство, а картина становится той, «в которую можно войти».

Проект будет посвящен двум сюжетам, составляющим важную часть искусства Желудь — дому и дороге, миру внутри и миру снаружи. Название выставки «Не тот горизонт» позаимствовано у серии минималистичных пейзажей Ани, созданных темперой на картоне в 2020 году. «Горизонт», согласно основоположнику философской герменевтики Хансу-Георгу Гадамеру, — «поле зрения, охватывающее и обнимающее все то, что может быть увидено из какого-либо пункта». «Горизонт» Ани Желудь в разные периоды жизни менял как исходную точку обзора, так и «поле зрения», перемещаясь от ограниченного «ближнего круга» к дороге, постепенно теряющей по пути привычные признаки реального мира.

«Не тот художник» — так охарактеризовала себя Аня в процессе работы над одним проектом с учеными, пытающимися выяснить, есть ли у нее «модель мира». В конце концов, в поисках этой модели «не тот художник» Аня Желудь проникла за линию «не того горизонта».

Экспозиция, архитектором которой выступил Алексей Подкидышев, построена как последовательное движение по трем залам, каждый из которых раскрывает один из ключевых мотивов художественного языка Ани Желудь. От насыщенного предметного мира первого зала — с вещами, натюрмортами и керамикой — взгляд движется к пейзажам, где пространство постепенно разрежается, а цвет почти исчезает. В финале линия становится главным героем: в картинах и металлических объектах она заменяет предметы, превращая их в легкие, почти невесомые конструкции.

→ Подробности и билеты

Информация: Центр AZART. Фотографии: Наталия Крючкова